Im Jahr 2024 feiert der KV – Verein für zeitgenössische Kunst Leipzig sein zehnjähriges Bestehen mit der Programmreihe "PAUSE/PLAY". Die Reihe lädt ein, die Begriffe PAUSE und PLAY als Aufforderungen zur Transformation zu verstehen. Entgegen der üblichen Lesart, nach der PAUSE als unproduktives Innehalten und PLAY als effiziente Fortführung verstanden wird, möchten wir mit PAUSE/PLAY das Zusammenspiel beider Elemente als Notwendigkeit für kreative und gesellschaftliche Prozesse betonen. Dabei wollen wir als Einzelpersonen und als Gruppe zu anderen Akteur:innen unserer Umwelt Beziehungen herstellen und pflegen, voneinander lernen, Perspektiven auffächern und uns gemeinschaftlich entwickeln.

Wir verstehen PAUSE nicht als Stillstand und PLAY nicht als Produktivität. Wir möchten das Nichts-Tun nicht nur aushalten, sondern es als konstruktive Aktion des Innehaltens begreifen. In Momenten der PAUSE können wir Ideen entwickeln, uns neu ausrichten und unsere Perspektiven erweitern. Durch Unterbrechung und Fortsetzung laden wir dazu ein, gewohnte Pfade zu verlassen und Raum für Bestehendes und eine unbekannte Zukunft zu schaffen. Der KV wird den eigenen Spielraum verlassen, um an anderen Orten neue Erfahrungen zu sammeln. Verschiedene "Interludien" bieten Plattformen für Begegnungen und eine gemeinsame, spielerische Reflexion über unsere Zeit, über Wahrnehmung, Zuhören, Fürsorge und Gastgeben.

Wir leben in einer Zeit, in der vom Individuum erwartet wird, das eigene Leben zu kuratieren und zu performen, um in der “Gesellschaft der Singularitäten” bestehen zu können. Als Grundlage für die Zuschreibung von Erfolg und Misserfolg dienen kulturelle Wertesysteme, die einerseits individuelle Narrative integrieren, aber andererseits auf sozialen Aushandlungen beruhen. Damit rückt das Besondere eines Subjekts in den Vordergrund, aber ebenso kann der Wert des Singulären nur aus dem Kollektiven heraus definiert werden.

Aus selbstorganisierten Prozessen entstehen häufig bedürfnisorientierte Ressourcen und Strukturen, die neue Möglichkeitsräume eröffnen. Anstelle von hierarchischen Relationen entstehen fluide Beziehungsräume, die Handlungslogiken jenseits der Märkte und regulierender Institutionen zulassen. Durch individuelle Erfahrungen, Empfindungen und Erlebnisse geprägte Zugang zur Welt gründet letztlich wieder in Registern kollektiver Erinnerungen, Normen und Werte.

Der KV Leipzig richtet mit der Programmreihe «On Singularities and Common Grounds» den Blick auf das Spannungsverhältnis von Kollektivem und Singulären sowie auf die Räume des Austausches und der Aushandlung, in denen gemeinsam Geteiltes (Common Grounds) neu entstehen kann. Geplant sind künstlerische und gestalterische Beiträge, die in verschiedenen Ausstellungssituationen und in Beiträgen für den öffentlichen Raum einen gesellschaftlichen Dialog mit der Stadtgesellschaft initiieren und die diesbezügliche Rolle künstlerischer Praxisformen in den Blick nehmen.

Aus der Erfahrung der Krise stellt sich die Frage, auf welchen Annahmen und Realitäten unser Zusammenleben beruht und wie wir dieses in Zukunft gestalten wollen. Können wir das Moment der Disruption für einen gesellschaftlichen Neustart nutzen, der Möglichkeiten bietet, kollektive und solidarische Strukturen neu auszuloten und diese auf eine andere Grundlage zu stellen? In einer neuen Programmreihe 2022 untersucht das KV Kollektiv Formen von kollaborativen Lebens- und Arbeitsweisen.
Wir erkunden explorativ, wie auf gesellschaftspolitischer, ökologischer und ästhetischer Ebene Gemeinwohl und Beteiligung umgedacht werden kann. Sind wir in der Lage, individuelle und kollektive Gewohnheiten zu durchbrechen und neue zu etablieren? Oder machen wir so weiter wie bisher? Welche individuellen Bedürfnisse gibt es und wie lassen sich gemeinsames Leben und Arbeiten als kollektiver Prozess von Wissen und Erfahrung neu denken?
Um die eigene Position sowie die gesellschaftlichen Möglichkeiten zu überdenken, lädt das Kollektiv des KV andere Kollektive und Künstler:innen ein – um zu produzieren, kuratieren, forschen, gestalten und zu agieren. Die Ergebnisse dieser Arbeit fließen in vielfältige Formate ein und wirken auch auf das Kollektiv des KV zurück. Die sich ähnelnden Herausforderungen der kollektiven Arbeitsweise unter teils prekären ökonomischen Bedingungen und gleichzeitig idealistischer Prägung spiegeln dabei die aktuellen Gesellschaftsstrukturen wider, in denen ein Gemeinwohl stiftendes Handeln in Frage steht.
Im Zentrum der Auseinandersetzung mit den eingeladenen Positionen steht die Frage nach Möglichkeitsräumen, Strukturen zu kritisieren, transparent zu machen, zu überschreiben und zu verändern, um neue Formen des Miteinanders zu entwerfen.

Mit dem Projekt Of Things Baroque untersucht der KV Leipzig in drei Ausstellungen und einer Reihe von Veranstaltungsformaten die Epoche des Barock im Kontext der Gegenwartskultur.

Als Neo-Barock werden zeitgenössische Tendenzen einer immer stärker vom Internet und von digitalen Technologien geprägten Gesellschaft zu fassen versucht. Verweist das Präfix ‘neo’ dabei auf eine kulturelle Wiederaneignung historischer Artefakte, scheint die epochale Geschlossenheit des Barock zunächst in einem krassem Widerspruch zum Konzept der Gegenwart zu stehen.
Doch bereits in der Architektur des Historismus im 19. Jahrhundert war – vorwiegend in Europa und Nordamerika – ein Rückgriff auf barocke Prinzipien als eine patriotisch motivierte Geste zu verzeichnen. Anders formierte sich der Neo-Barock in Latein­amerika ab etwa 1950 bis in die 1980er Jahre unter postkolonialen und revolutionären Vorzeichen als künstlerische Strömung in Reaktion auf eine sozialistische Obrigkeit (Kuba) wie auf kapitalistische Ideologien gleichermaßen. (1)
Barocktypische Muster wurden als formalistische Strategie in der Literatur (bspw.
in den phantastischen Werken Luis Borges’ und im magischen Realismus), der Kunst und, insbesondere im Film verwendet, um feste Realitäten und Wahrheiten in Frage zu stellen und so als politische Instrumente in neuem Kontext produktiv gemacht. In der Annahme, dass heute alles bereits gesagt worden sei, stellen Kombinatorik, Variation und Referenzialismus in Sampling-Kulturen und zeitgenössischen Bildwelten eine spezifisch neo-­barocke Poetik der Wiederholung dar.
Als terminologische Alternative zu der zeitlich umfassenden und mitunter umstrittenen Kategorie der Postmoderne wird mit dem Begriff des Neo-Barock dabei die Wiederkehr konkreter formaler Qualitäten betont. Losgelöst von der eigentlichen Epoche des Barock lässt sich somit eine eigene Begriffsgeschichte des Neo-Barocken in neuen Kontexten nachzeichnen. So verstehen Kunsthistoriker wie Omar Calabrese den Barock als eine spezifische Geisteshaltung und formale Qualität, die die Grenzen der historischen Periodisierung überschreitet. Als zeitübergreifendes Formprinzip wird das ­Barocke so zu einem Schlüssel zum Verständnis historischer und zeitgenössischer kultureller Phänomene.
Das etymologische Spannungsfeld des italienischen Begriffs barroco (2) umfasst das Groteske gleichermaßen wie das Überladene. Der Kunsthistoriker Erwin Panofsky überführte die Wortneuschöpfung (3) sogar als linguistische Übersetzung eben jenes Formprinzips, das der Epoche zugrunde lag: das Gebrochene in der rhythmisierten ­Wiederholung, das Dynamische in der Ordnung. Labyrinthe, abgerundete Winkel, schwammige, hohle oder zu Wirbeln gebildete Körper stellen barocktypische Figuren dar. Sie verkörpern die Tendenz der Materie, den Raum zu überborden und sich mit dem Flüssigen zu verbinden. (4) Im Ornament übersteigert der Barock die Natur. In der Barockmusik – die sich durch Johann Sebastian Bach als einem ihrer prominentesten Vertreter in Leipzig einer besonderen Beachtung erfreut – finden sich mathematische Serialität und das bewegte Zusammenwirken und Quasi-Wetteifern von Stimmen. Universalgelehrte, wie der in Leipzig geborene Gottfried Wilhelm Leibniz, erfanden neue Techniken und Denkformen wie die binäre Arithmetik oder das Konzept der Monaden, durch welche das Bewusstsein für die Unendlichkeit des Universums sensibilisiert wurde.
In der Verwendung des Begriffs im 18. und insbesondere im 19. Jahrhundert wurde der Barock immer öfter mit einem Verfall der Sitten assoziiert und galt als ungewöhnlich, vulgär, überschwänglich, chaotisch und anormal. Damit grenzte sich der Barock von den humanistischen Idealen der Vernunft und Harmonie ab, mit denen die Renaissance den Beginn der Moderne einläutete.

Der Barock folgte im 17. Jahrhundert auf revolutionäre technologische Innovationen einerseits – und auf das Weltbild und den Erfahrungshorizont erweiternde wissen­schaftliche Erkenntnisse andererseits. Stellt die zunehmende Beschleunigung der Informationstechnologien, die Erschließung virtueller Welten und das Auftauchen alternativer Realitäten in der heutigen Zeit womöglich eine vergleichbare Konfrontation dar?
Wenn der Barock das Symptom einer Zeit tiefgreifender gesellschaftlicher Trans­formation war, so drängt sich zudem die Frage auf, was sich mit Blick auf die in jüngerer Geschichte und zeitgenössischer Kultur immer wieder auffindbaren barocken Phänomene, Strukturen und Strömungen über die gesellschaftliche Befindlichkeit der Gegenwart aussagen lässt. Aus diesen Fragen erschließt sich das Interesse des Kunstvereins an einer zeitübergreifenden Auseinandersetzung mit dem Barocken.

(1) Ndalianis, Angela: Neo-Baroque Aesthetics and Contemporary Entertainment, Cambridge: MIT Press 2004. S. 12–15
(2) Portugiesisch für „seltsam geformte Muschel“
(3) Panofsky, Erwin: Was ist Barock?, Hamburg / Berlin 2005, S. 19
(4) Vgl. Heinrich Wölfflin: Renaissance und Barock, Leipzig: Koebler und Amelang 1986

Wissen als zentrale gesellschaftliche Ressource ist begehrt, umkämpft, normativ und von sozialen, politischen sowie ökonomischen Faktoren geprägt. Wissen hat die Eigenschaft exponentiell zu wachsen, sich medial zu transformieren und sich zu entkoppeln von staatlichen Stellen und Experten, die es kontrollieren und für seine Richtigkeit bürgen könnten. Wissen ist mit einem Wahrheitsanspruch verbunden, der konkurrierende Wirklichkeiten schafft. Zuweilen stehen Expertentum und Journalismus dabei ideologischen Glaubensvorstellungen gegenüber und soziale Medien können als Verstärker für abstruse Verschwörungstheorien dienen. Wird unsere Zeit als Informationszeitalter definiert, so lässt sich gleichzeitig eine Degradierung von Wissen und ein wachsendes Misstrauen gegenüber seinen Institutionen verzeichnen. Vor diesem Hintergrund sieht das Kollektiv des KV heute die Notwendigkeit, den generischen wie komplexen Topos Wissen unter verschiedenen Aspekten zu perspektivieren und künstlerisch zu reflektieren.

Mit dem Projekt K—V Enzyklopädie wird im KV Leipzig eine Plattform entstehen, die sich mit verschiedenen Formen des Wissens, der Erfahrung und mit Bildkulturen beschäftigt, die grundlegend für künstlerische und politische Praktiken sind. Welches Wissen und Nicht-Wissen ist für künstlerisches Arbeiten heute relevant? Wie konstituieren sich Wirklichkeiten? Aus welchen Positionen und Nischen wird gesprochen? Wer bildet das Publikum? Welche Möglichkeiten der Partizipation bieten sich an und wie müssen gemeinsame Erfahrungsräume beschaffen sein?

Die eingeladenen KünstlerInnen beziehen sich in ihrer Arbeit auf diese Fragen: Sie entwickeln Formate und Instrumentarien, um komplexe Wissenssysteme visuell und affektiv zugänglich zu machen, untersuchen Mechanismen der Wissensproduktion, Dialekte der Wahrheit, alternative Formen von Erfahrung, Körperwissen oder Strategien des Teilens und Vernetzens. In ihren künstlerischen Beiträgen ermöglichen sie alternative Formen von Erfahrung und produzieren neues Wissen, dass sich in Bildern, Sprache und Körpern manifestiert.

Als dramaturgisches Konzept für dieses Projekt dient die Idee einer kollektiven Enzyklopädie. Diese zentrale Metapher schafft einen Rahmen für Ausstellungen, Performances, Workshops, Diskussionen, Vorträge und Filmscreenings. Die alphabetische Struktur stiftet einerseits ein Ordnungssystem, schafft andererseits aber auch ein flexibles Begriffsfeld, das als Glossar und Handbuch zur Gegenwart benutzt werden kann. Jede Veranstaltung, ob Vorträge, Diskussionen, Screenings wird durch zentrale künstlerische Setzungen im Sinne raumbezogener Verfahren und Erweiterungen in den öffentlichen medialen Raum strukturiert. Die Produktionsstruktur ist also gekennzeichnet von künstlerischen Neuproduktionen, die von diversen performativen Wissensformaten begleitet werden. Die künstlerischen Beiträge sind einerseits mit den alphabetischen Schlagworten verknüpft, sollen andererseits aber auch routinierte und ritualisierte Wissensformate unterwandern, erweitern und kommentieren. Die willkürliche und nicht kausale Ordnung des Alphabets als narrative Struktur provoziert hierbei die Gleichberechtigung aller Beiträge. Ihr fragmentarischer Charakter ermöglicht einen spielerischen Zugang und spontane Beziehungen zwischen den Formaten und Inhalten sowie zu aktuellen Kontexten.

Zu Ende des Projekts wird ein gemeinsamer Wissens und Erfahrungsstand entstehen, in dem formale, strukturelle und mediale Fragen der Übersetzung beleuchtet werden. Die K—V Enzyklopädie findet so eine abschließende Realisierung in gedruckter Form und als Webarchiv. Die Gesamtheit der Formate innerhalb dieses Projektes werden gemeinsam lesbar und bilden ein kollektives und lebendiges Archiv der Gegenwart.

K—V Enzyklopädie versteht sich auch als eine kollektive Übung, gesellschaftliche Komplexitäten, Widersprüche und Diskontinuitäten lesbarer zu machen und als Realität der Moderne auszuhalten. Aber auch wenn wir uns an eine Mehrstimmigkeit gewöhnt haben, dass Wissen und Glauben, Sehen und Erkennen von situativen Vorbedingungen der BetrachterInnen abhängig sind, stellt sich gegenwärtig die Frage, ob wir in einer postfaktischen, anti-aufklärerischen Zeit leben. Ist Wahrheit und Komplexität gar aus der Mode gekommen, weil Rechthaberei allen auf die Nerven geht und der spektakuläre Unterhaltungswert viel schwerer wiegt? Was, wenn der Autor Ronald M. Schernikau recht hat, dass es zwischen Bild-Zeitung und ihren LeserInnen eine ungeschriebene Übereinkunft gibt, dass Bild lügt und alle es wissen. Der, der dann ruft »Bild lügt« würde sich lächerlich machen, da es ohnehin alle wissen. Oder, so Schernikau weiter, wenn etwas zynisch ist und einer sagt, das sei ja zynisch, dann würden die Verhältnisse einfach mit den Schultern zucken.

K—V Enzyklopädie stellt sich diesen Fragen der Gegenwart unter der Prämisse, dass Kunst Formen von Wirklichkeit hervorbringt, aber durchaus auch einen sozialen Rahmen anbietet um Austausch herzustellen, Erfahrungen zu teilen und leisere Stimmen zu Wort kommen zu lassen.

Die Gruppenausstellung „Please divide in groups of two or three“ funktioniert als Plattform für Künstler*innen und Performer*innen, die sich in ihren Arbeiten mit Mechanismen des Ein- und Ausschlusses von Gemeinschaften beschäftigen. Ausgehend vom Modell des Kunstvereins wird der Begriff der Mitgliedschaft in unterschiedlichen gesellschaftlichen, popkulturellen, digitalen und ökonomischen Zusammenhängen kritisch beleuchtet. Uns interessiert, welche bewussten und unbewussten Regeln, Codes, Sprachen, Symbole und Produkte Zugang zu gemeinschaftlichen Zusammenschlüssen bieten. Wie notwendig ist Gruppenzugehörigkeit als Bedingung des gesamtgesellschaftlichen Zusammenlebens? Inwieweit bringt das Ideal einer solidarischen Zugehörigkeit gleichzeitig auch immer Muster des Ausschlusses hervor?
Leitmotiv der Ausstellung ist das von Simone C. Niquille und Anja Kaiser entwickelte Maskottchen, das als künstlerische und kommunikative Iden- tifikationsfigur die Besucher*innen des KV willkommen heißt.
Die Performances, Workshops, Installationen, Screenings, Lecture Performances oder Exkursionen der Künstler*innen Tekla Aslanishvili, Ian Giles, Naomi Ricón Gallardo, Luise Schröder, Lissy Willberg und Frauke Zabel laden zu themenspezifischen Veranstaltungen während der Ausstellungszeit ein.
Anlässlich der Ausstellung wird zudem die neue Vereinskollektion der Künstlerin Katrin Mayer eröffnet, das über die Ausstellungszeit hinaus bestehen bleibt.

kuratiert von Anna Jehle und Juliane Schickedanz

Die regulären Öffnungszeiten sind im Rahmen der Ausstellung aufgehoben. Der Raum ist nur zu den Veranstaltungszeiten begehbar.

Mode tritt vor allem als Kleidung in Erscheinung, und als solche ist sie Gegenstand kultureller Praktiken. Oft genug unterlaufen diese die Funktionalität der Kleidung und bedienen sich Strategien der Veröffentlichung und Verbreitung. Modisch zu sein bedeutet somit in seiner Essenz in einem engeren oder weiteren Rahmen sichtbar und damit auch öffentlich und populär zu werden. Zu diesen Sichtbarkeiten der Mode müssen wir uns verhalten. Wir können sie uns aneignen oder adaptieren, wir können uns ihnen verweigern und Gegenentwürfe gestalten, die möglicherweise selbst Moden werden. Wir laufen Gefahr, out zu sein, wenn wir verpasst haben, was in ist. Wir können – wie Walter Benjamin vorschlug – in der Mode die Flaggensignale des Zukünftigen zu lesen versuchen oder sie für die reinste Form der Gegenwärtigkeit halten, wir können sie als wichtigsten Agenten für die vielfältigen Prozesse der Generierung von individuellen und kollektiven Identitäten verstehen oder als Blaupause für die Zyklen spätkapitalistischer Produktion.

„Du kommst auch noch in Mode“ will die Wechselbeziehungen zwischen Mode(entwürfen) und korrespondierenden gesellschaftlichen Strukturen sozialer Wertbildungsprozesse erforschen und lesbar machen. Das Projekt geht dabei von der Hypothese aus, dass mit einer tieferen Kenntnis über die Prozesse und Praktiken der Mode auch ein erweitertes Verständnis für das Populäre und das Populistische verbunden sind. Popularität kann in den Diskursen kultureller Legitimation gleichermaßen als Ausweis von Erfolg und als publikumswirksamer Opportunismus bezeichnet werden. Doch was macht Popularität eigentlich aus? Welche ästhetischen Strategien lassen sich damit in Zusammenhang bringen? Wer und was wird von wem gesehen? Wie und in welchem Verhältnis zeigen sich Intentionen und Konsequenzen? Was sind Strategien des Öffentlichwerdens, wie können sie angeeignet, gegen sich verkehrt und neu gedacht werden? Welche Eigenschaften und „Formen“ werden in der Veröffentlichung kommuniziert; und welche nicht? In welchem Wechselverhältnis stehen die dominierenden Logiken des vor allem technischen Fortschritts mit dem Populären?

Der Schwerpunkt des Projektes liegt auf prozessorientierten Arbeits- und Produktionsweisen, die eine enge Zusammenarbeit der eingeladenen Protagonist*innen mit dem KV zur Grundlage haben. Der KV erweist sich dabei als ein spontaner, wandlungsfähiger Ort, der die künstlerischen Arbeiten mit jeweils unterschiedlichen Raum- und Öffentlichkeitsstrategien sowie Handlungsanweisungen ins Verhältnis setzt. Dabei dient das „Prinzip Mode“ als Modell, welches das unauflösbare und widersprüchliche Wechselverhältnis zwischen Verheißung und Bedrohung veranschaulicht, das im Titel des Projekts bereits anklingt.

Ein Projekt von: Diana Felber, Louis Hay, Anna Lena von Helldorf, Anna Jehle, Eva Kallweit, Katharina Köhler, Daniel Niggemann, Teresa Rudolf, Caspar Sänger, Kilian Schellbach, Juliane Schickedanz, Jens Triebel und Anna Voswinckel.

• Titel eines Plakats von Martin Kippenberger (1953–1997)

Architektur und Stadtraum können als Manifestationen gesellschaftlicher Werte, Normen und Hierarchien gelesen werden: Monumentalität und Dekor sprechen von Repräsentationswillen; Formen von Wohngebäuden lassen darauf schließen, für welchen Menschen gebaut wurde; der Materialgebrauch verweist auf die ökonomischen Verhältnisse; die Qualität der Ausführung erlaubt Rückschlüsse auf die Planungskultur. In Auseinandersetzung mit sozialen und gesellschaftlichen Gegebenheiten finden diese Kriterien auf vielfältige Weise Eingang in die Kunst. Das geschieht in symbolischen Handlungen und bildästhetischen Kategorien, aber auch in der unmittelbaren Platzierung der künstlerischen Arbeit vor Ort, an den Stellen wo Kunst und Architektur, Kunst und Urbanität, Kunst und Alltag aufeinandertreffen.

Der KV – Verein für zeitgenössische Kunst Leipzig e.V. befindet sich direkt im Kolonnadenviertel – im Stadtsprech „Colle“ genannt – einem architekturhistorisch besonderen Ort in Leipzig. Das Erscheinungsbild ist geprägt durch Wohnhäuser in Plattenbauweise, die vereinzelte im Krieg stehengebliebene Gebäude aus der Gründerzeit ergänzen.

Mit der Neugründung des KV im Mai 2014 ging auch eine substanzielle Standortbestimmung innerhalb seines sozialen, politischen und architektonischen Umfeldes einher. Fragen nach dem spezifischen Eigenwert und Mehrwert der Kunst für eine Gesellschaft und ihre Debatten waren stets eng mit dem Standort des Kunstvereins verbunden. Er entwickelte daraus eine Arbeitsweise, bei der verschiedene Konstellationen experimentell und auf demokratischer Basis erprobt und vor unterschiedlichen Erfahrungshintergründen beleuchtet werden.

In vereinzelten Projekten, wie dem 2017 vom KV organisierten Symposium zur ehemaligen Ez-Chaim-Synagoge im Rahmen der Jüdischen Woche, beschäftigte er sich bereits mit dem Kontext seiner sozialen, historischen sowie architektonischen Nachbarschaft. Aus aktuellem Anlass wird der KV diese im Rahmen des Projekts „Collefic(a)tion – Topografie eines Handlungsraums“ noch einmal konzentriert und auf diverse Weisen aus Perspektive der Kunst betrachten.

In den letzten fünf Jahren ist die Anziehungskraft der „Colle“ enorm gestiegen. Es herrscht Vollvermietung, die Mieten sind jedoch nach wie vor günstig. Ab 2019, 30 Jahre nach der Fertigstellung, plant die städtische Wohnungsbaugesellschaft LWB, die größtenteils Eigentümerin der Gebäude ist, eine Sanierung des Viertels. Dies wird eine große Herausforderung: eine Abwägung zwischen den ökonomischen Interessen der LWB, den Interessen der MieterInnen nach günstigem, aber modernisiertem Wohn- und Gewerberaum, dem Wunsch nach der Aufrechterhaltung des sozialen Gefüges und schließlich dem Erhalt der architektonischen Qualität, die eine denkmalgerechte Sanierung notwendig macht.

Das Kolonnadenviertel wurde zwischen 1982 und 1989 in bemerkenswert kurzer Zeit geplant und fertiggestellt. Die Innere Westvorstadt war im Zweiten Weltkrieg weitgehend zerstört worden – die Flächen blieben nach der Trümmerbeseitigung bis in die 1980er Jahre frei. In dieser Zeit gab es verschiedene Überlegungen, das Gebiet wieder zu bebauen. Die angedachten Entwürfe zeigen allgemein die sich verändernden städtebaulichen Leitbilder in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und im Speziellen in der DDR.

Der realisierte Entwurf des Kolonnadenviertels nimmt die Straßenzüge vergangener Bebauung auf. Das Areal lag lange außerhalb der bebauten Stadt: Zu Beginn des 18. Jahrhunderts wurde das nahe des Auenwaldes gelegene Land in Gärten umgewandelt und erst im 19. Jahrhundert, nach der Trockenlegung und auf Grundlage der barocken Wegestruktur bebaut. Die Planenden nahmen nicht nur Bezug auf die städtebauliche Struktur, sondern die Referenz übertrug sich auch im architektonischen Detail. Die vorfabrizierten Platten wurden aufwändig mit Keramikfliesen verziert, verschwenderische Betongesimse, Erker und Kolonnadenumläufe mit Dachterrassen wurden umgesetzt – Bemühungen um eine fast liebliche Wirkung des neuerrichteten Viertels.

Damit wurde bei der realisierten Bebauung eindeutig Abstand von den Ideen des sozialistischen Modernismus genommen. Was war passiert? Seit Ende der 1970er bis in die 1980er Jahre wurde in Leipzig kaum gebaut – alle Anstrengungen wurden für das Großprojekt Grünau gebündelt. Zudem war in derselben Zeit im internationalen Architekturdiskurs eine neue Strömung auszumachen, die sich programmatisch abwendet von den Vorstellungen der Moderne. Der Einfluss auf den Städtebau der DDR war dabei wesentlich größer als auf die Architektur. Jane Jacobs und andere KritikerInnen propagierten nun die „nutzungsdurchmischte Stadt“ und wandten sich damit gegen die funktionsgetrennte Stadt der ModernistInnen. Damit steht das Kolonnandenviertel in Leipzig paradigmatisch für einen deutlichen Wandel in Architektur und Städtebau, an dem sich eine Aufbruchsstimmung in der späten DDR ablesen lässt.

Was ist das, Freundschaft? Sie ist nichts, was sich historisch, aktuell, pragmatisch oder philosophisch genau fassen ließe. Wenn es ein wiederkehrendes Motiv gibt, dann dieses: Freundschaft soll sich in der Stunde der Not beweisen. Freundschaft erscheint – paradox genug – als ein selbstloses, freiwilliges, mal mehr, mal weniger immaterielles und womöglich asymmetrisches Tauschverhältnis.

Die kapitalistische Moderne als eine Ökonomie des Warentauschs lässt allerdings wie alle anderen ­Beziehungsformen – Liebe oder Verwandtschaft – ­gleichermaßen die Freundschaft nicht unberührt; sie unterliegt dem Druck der Verdinglichung und Kommerzialisierung. Gilt sie einerseits weiterhin als eine der edelsten sozialen Währungen, so wird sie andererseits zum Spielfeld der privaten Ökonomien. FreundInnen in sozialen Medien werden gezählt und damit zum Merkmal der Distinktion, sie werden auf ihren Nutzen hin untersucht, ob sie etwas bringen oder nicht. Damit ­einhergehend und zuweilen im Widerspruch werden Freundschaften zu etwas, das dieser Ökonomisierung privater Lebensverhätnisse Utopie und Gegengewicht sein kann. Gerade unter dem Eindruck der Deregulierung von ­Arbeitsverhältnissen, einer gesellschaftlichen Entsolidarisierung und der ­Notwendigkeit sein eigenes Leben möglichst gewinnbringend zu planen und zu vermarkten, schaffen Freundschaften Vertrauensverhältnisse, die Freiräume wenigstens temporär öffnen können.

Für Die Politik der Freundschaft verwandelt der Künstler Wilhelm Klotzek den KV mit seinem raumgreifenden Setting Kreuzungstreff zu einem Kiez: Seine Installation wird Begegnungsort, Bühne und Rahmen für drei wechselnde Ausstellungsblöcke sein. Zu diesen sind lokale und internationale KünstlerInnen, FilmemacherInnen sowie AutorInnen eingeladen, deren Skulpturen, Texte, (Audio-)Performances oder Filme Themen der Freundschaft zwischen Liebe, Pragmatismus und Einsamkeit verhandeln.